«Tuya» forma parte del poemario Pinceladas Parlantes®.
Irlanda Ruiz Aguirre
Nacida en Humacao, Puerto Rico, Irlanda escribe poesía, ensayo y cuentos. Forma parte de la Antología de Escritores Pedreños.En 2015, Irlanda y su familia se mudaron a Port Chester, Nueva York; luego a Bonita Springs, Florida, antes de establecerse en Charlotte, Carolina del Norte.
Todos los artistas de Columbia, Carolina del Sur, conocen a los hermanos Dre y Sammy López. Con años de experiencia en los campos de la ilustración, la pintura y el diseño gráfico, estos artistas han tenido gran impacto en la comunidad. Yo tuve la fortuna de ver el trabajo de Sammy y Dre en numerosas ocasiones: en las salas del museo de arte de la ciudad, en el periódico local Free Times (donde Dre trabajaba como ilustrador), en varios murales, estampado en geniales camisetas, en portadas de libros, e incluso (sin saberlo) en numerosos logos de empresas. A veces me los topaba en el desaparecido bar The Whig, y charlábamos por un rato. Ambos siempre amables y generosos conmigo.
Aunque Dre y Sammy comparten su amor por el arte, en términos profesionales cada uno de ellos ha seguido su propio camino.
En esta entrevista exclusiva, nos sumergimos en su fascinante viaje, explorando sus inspiraciones, técnicas favoritas, proyectos colaborativos y la poderosa intersección entre el arte y la sociedad. Desde su trabajo con la University of South Carolina hasta la fundación de PIENSA: Art Company y su participación en proyectos innovadores como el Broadside Project y Bullets & Bandaids, los hermanos Lopez comparten sus perspectivas íntimas sobre el papel del arte en la vida cotidiana y su inquebrantable compromiso con la expresión creativa.
Únete a nosotros mientras descubrimos los intrincados entresijos del mundo creativo de Sammy y Dre Lopez.
Cuéntennos: ¿Cómo llegaron ustedes a Columbia, Carolina del Sur?
Sammy: Llegamos a Columbia porque nuestros padres querían un cambio de Miami, FL, que era donde vivíamos antes de mudarnos a Columbia. Querían un ambiente más seguro en el cual criarnos. Todavía éramos muy jóvenes, entonces no tuvimos mucho que ver con esa decisión. En esa época, Miami era mi vida.
¿Cuáles son sus técnicas favoritas? ¿Prefieren la pintura, la ilustración? ¿Qué es lo que más disfrutan de crear arte?
Sammy:Mis técnicas favoritas son el dibujo, tanto digital como a mano, y también el diseño gráfico. También me gusta la pintura, tomar fotos, hago un poquito de todo. Me canso de hacer lo mismo con demasiada frecuencia, así que me mantengo ocupado alternando entre técnicas, materiales y temas.
Creo que disfruto ver cómo la creación adquiere vida, y también ver la imagen final. El proceso de creación puede ser una experiencia de amor/odio, y trae sus propias frustraciones, pero ver la imagen o la obra finalizada es la mejor parte, hace que todo valga la pena y es la motivación necesaria para seguir adelante con la siguiente pieza.
Sammy Lopez
Dre: En este momento diría que el dibujo es mi principal medio, en cierto modo es mi favorito. También me gusta pintar y diseñar, así que diría que dibujar es, más bien, mi medio favorito en este momento. No me gusta ceñirme a un solo medio, mi cerebro se aburre de hacer lo mismo una y otra vez, necesito variedad para mantenerme inspirado y motivado.
Como llevo casi toda mi vida creando y haciendo arte, tengo varias cosas que me encantan de la creación, no puedo reducirlas a una sola.
Me encanta la libertad que siento al crear algo a partir de una idea, un concepto flotante, hasta llegar a un producto acabado tangible. El arte siempre ha sido terapéutico para mí, una forma directa de liberar energía en momentos en los que no disponía de otros medios para hacerlo de forma positiva.
Dre Lopez
Ustedes saben que amo los cómics. ¿Han trabajado en cómic o novelas gráficas? ¿Con qué escritores han colaborado?
Sammy: Sí, nosotros trabajamos en algunos cómics auto publicados hace años. Los publicamos a través de PIENSA: Art Company, que es el estudio que mi hermano y yo creamos para hacer trabajo independiente bajo un mismo techo. El escritor de esas historias, Robert LeHeup, también es miembro del estudio, y ahora dirige la organización Bullets & Bandaids.
Antes de eso, colaboramos con algunos otros escritores, en particular Chuck Brown, Chad Bowers y Steven Prouse. Todos son escritores publicados, y Chuck y Chad han escrito tanto para Image Comics como para Marvel. Chuck ganó dos premios Eisner por su cómic original «Bitter Root», publicado por Image.
Dre: Sí, al principio de mi carrera trabajé un poco en el mundo de los cómics. Trabajé en un par de historias cortas publicadas en recopilaciones independientes, así como en algunas portadas de libros a lo largo de los años.
Chuck Brown está haciendo todo tipo de cosas maravillosas con Marvel Comics, DC, Darkhorse e IDW. También he trabajado con Chad Bowers, que está creando cosas estupendas para Marvel Comics. Steven Prouse es un brillante escritor independiente con quien colaboré, al igual que Robert LeHeup, con quien trabajé en mi estudio PIENSA: Art Company.
Dre, tus ilustraciones de Cocky (la mascota oficial de la UofSC) en el Free Times son legendarias. ¿Cómo fue tu experiencia trabajando para el periódico?
Dre: Ah, ¡muchas gracias, Juan David! Siempre me divertí mucho dibujando esos afiches y la energía que recibía de todos los que veían los diseños fue siempre una alegría.
Tengo una larga historia trabajando con el Free Times, tanto como freelance como diseñador interno con ellos hace algunos años. Siempre estuvieron abiertos a mis ideas y sugerencias, así que me facilitaron el trabajo de intentar crear imágenes divertidas, memorables y posiblemente conmovedoras. Siempre han sido una de mis organizaciones favoritas para trabajar.
Dre Lopez
Sammy, leí en las redes sociales que ahora estás trabajando para la University of South Carolina. ¿Cómo ha sido esa experiencia?
Sammy: Sí, yo trabajo para la universidad, es mi “trabajo de día”. He trabajado allí durante los últimos años. Hago diseño gráfico para ellos, así que afortunadamente sigo conectado al mundo creativo en mi día a día. Por otra parte, sigo trabajando en proyectos independientes cuando no estoy en USC. Hago muchas cosas más, desde murales hasta obras de arte, ilustraciones y trabajos de diseño gráfico.
Recuerdo que han trabajado en proyectos colaborativos como the Broadside Project, Bullets & Bandaids, y muchos otros. ¿Cuáles han sido algunos de sus proyectos favoritos?
Sammy: Esos fueron proyectos divertidos. Bullets & Bandaids se destaca, sin duda. Hemos hecho algunas versiones más del proyecto y creo que cuando ver las reacciones emocionales a esas exposiciones ha sido gratificante, significativo y conmovedor mí. Es un gran concepto que conecta muchos tipos de gente y muchas historias. Es difícil no sentir y ver el impacto de Bullets & Bandaids cada vez que hacemos una nueva versión de. También disfruté de una exposición de arte que hicimos hace años en el The Tapp’s Art Center en Columbia. Tapp’s ya no existe. Fue una exposición de arte/recaudación de fondos como reacción al tsunami de 2011 en Japón. Reunimos a artistas de la comunidad y tuvimos un evento multimedia donde lanzamos nuestro cómic “Heavy Feather Falls”.
Hicimos que los artistas crearan obras de arte y también había músicos tocando en vivo, además se proyectó una película, y todo estaba conectado con Japón. La idea de tratar de dar algo (aunque fuera a nuestra pequeña manera), la cantidad de artistas que reunimos por una buena causa, y la experiencia sensorial del evento hace que se destaque a pesar de los años que han pasado. Todavía no he visto a nadie en la ciudad crear un espectáculo tan inmersivo y único que conecte tantas cosas diversas en una sola noche.
Dre: Sí, he tenido la suerte de trabajar en algunos proyectos fenomenales y esos dos fueron sin duda algunos de ellos.
Trabajar en los eventos Bullets & Bandaids siempre ha estado en lo más alto de mi lista, por el inmenso impacto que estas exposiciones tienen a muchos niveles. Todos los involucrados se ven conmovidos: los veteranos, los escritores, los artistas, los organizadores y, por supuesto, el público que asiste a estos eventos. La guerra y sus efectos son un tema importante y esencial para todas las facetas de la sociedad.
Dre LopezDre Lopez
Otra exposición que se me quedó grabada fue una colaboración con Palmetto Luna, aquí en el Museo de Arte de Columbia. Este evento se enfocaba en el tema de la violencia doméstica. Se encargó a varios artistas que crearan piezas para tratar un tema tan desgraciadamente común e impactante.
¿Creen que el arte tiene una función social?
Sammy: Creo que sí. Es una necesidad humana, la necesidad de crear y descubrir. Seas artista o no (por ocupación o por definición), creo que el arte es un canal para que los humanos se expresen, se sumerjan, y entren en contacto con algo más, que sueñen, que se permitan cosas, que exploren, que se liberen, que asuman riesgos, que avancen, amen, se frustren y se superen, para ser parte de la historia (tanto en la práctica como en la labor de escribirla), para luchar contra las injusticias, para rebelarse, etcétera.
Gran parte de la experiencia humana está conectada con el arte. Sin arte, estamos negando una parte esencial de nuestra existencia humana, y esto es verdad tanto para los creadores o artistas como para quienes interiorizan esas obras de arte o esas formas de arte.
Sammy
Sin el arte, estaríamos eliminando una parte necesaria y fundamental de lo que significa ser humano. Incluso para las personas que no practican o no les gusta el arte, creo que ellos también reciben algo del arte: desde sus películas favoritas hasta sus escritores y su música favorita. A todos nos conmueve el arte. Incluso si es sólo para comunicarnos entre nosotros de una manera que las palabras por sí solas tal vez no pueden lograr.
Dre: Sí, creo que el arte siempre ha tenido un efecto directo e indirecto en el funcionamiento de la sociedad, en cómo se ha afectado. Tanto si nos fijamos en el escapismo que el arte ofrece a una persona en tiempos difíciles como en la forma en que el arte (ya sea música, artes visuales, performance, etc.) puede influir en el pensamiento crítico a través de la sátira, la parodia o la crítica directa.
El arte en sí llega a las mentes y los corazones de maneras que otras formas de comunicación no pueden. La historia lo ha demostrado desde que las pinturas rupestres eran plasmadas en las paredes de piedra.
Si no estoy equivocado, los dos fundaron la empresa PIENSA. ¿A qué se dedicaba esta compañía? ¿Hasta cuándo trabajaron allí?
Sammy: Sí, ambos empezamos PIENSA. La idea era crear una marca, o un techo bajo del cual pudiéramos trabajar individualmente o de forma conjunta, produciendo arte y eventos bajo un mismo nombre. Es una casa de diseño y arte. Aunque últimamente no hemos producido tantos trabajos bajo la marca, porque nos hemos concentrado más en proyectos individuales.
Dre: Sí, Sammy y yo fuimos los fundadores de PIENSA: Art Company aquí en Columbia. Dentro del formato inicial también incluimos a un escritor como uno de nuestros miembros iniciales, Robert Leheup que ahora está haciendo un trabajo excepcional con su organización sin ánimo de lucro, Bullets & Bandaids.
La compañía de arte era principalmente un estudio paraguas que nos permitía crear y mostrar nuestras respectivas artes tanto como grupo como creadores individuales. Nos dio un nombre y una marca que podíamos utilizar para lo que se nos presentara. También fue una adición bienvenida como una cara artística de calidad para los latinos en Columbia, porque estamos subrepresentados y mal representados en esta ciudad, honestamente hasta el día de hoy.
¿A qué se dedican ustedes actualmente?
Sammy: Este año estoy concentrado en producir trabajo más consistente. Tener el trabajo de día no me deja tanto tiempo y energía como me gustaría para seguir produciendo mi trabajo personal o como freelance, pero aun así me gustaría poner más energía en un trabajo más consistente, seguir mejorando en mis habilidades y seguir creciendo como artista. Siempre se puede mejorar, y me gustaría empezar a mover más la aguja este año.
Dre: Actualmente he estado trabajando como ilustrador y diseñador gráfico independiente, principalmente trabajando para diferentes clientes en diferentes campos de trabajo. Pueden encontrar algo de mi trabajo aquí y allá, en la industria de la moda, en las bellas artes y en la ilustración.
¿En qué proyectos están trabajando?
Sammy: Ahorita estoy trabajando en crear más murales dentro y fuera de la ciudad. He hecho unos cuantos, pero me gustaría hacer más. También tengo un proyecto multimedia en torno al cual me gustaría montar una exposición. Es un proyecto que combina mis fotografías y varias ilustraciones digitales. El concepto incluye la danza y la interpretación del poder. Me gustaría hacer una exposición en la que se incluya a la bailarina que he fotografiado para que baile en la noche del show. Sería una forma de unirlo todo y de ofrecerle un espectáculo multimedia al público.
Dre: En este momento estoy concentrado principalmente en una variedad de proyectos independientes que tengo, así como la creación de más trabajo comercial para pagar las cuentas. Tengo algunas obras en la Soul Haus Gallery de Columbia, también tengo una línea de ropa que quiero enfocar y desarrollar, un par de conceptos de novela gráfica que tengo que poner en papel, así como trabajar en la adición de algunos murales a mi catálogo, por no hablar de un par de exposiciones de bellas artes que tengo que armar.
¿Cómo creen que sus raíces culturales influyen en su arte?
Sammy: Aunque no me concentro únicamente en el trabajo que tiene que ver con mi raza, creo que no obstante juega una parte importante.
Sammy Lopez mural for The Lady apartment complex.
Creo que, como latino, mi punto de vista siempre será único como. Ser una minoría también sesga en qué te concentras y cómo expresas eso en cualquier medio en el que decidas crear.
También creo que unos de los enfoques en mi forma de crear son la energía y el movimiento. Quiero representar eso y que siempre sea parte de mi trabajo. Para mí, eso es muy latino. Esa energía cinética, expresiva y conmovedora que tiene una intensidad y una pasión. Quiero mostrar eso en todo lo que creo.
Dre: Influyen en la mayoría de las decisiones que tomo cuando expongo mi trabajo al público. Tanto si se trata de una obra que habla directamente de temas latinoamericanos como si representa diferentes partes de mis culturas, intento ser lo más responsable posible con la forma en que elijo reflejar cualquier parte de mis raíces culturales.
Incluso si no estoy creando directamente algo que hable de nuestras culturas, sigo teniendo en cuenta cómo la calidad de mi trabajo se refleja en mí mismo, en mi gente y en mi cultura.
Como artista profesional latino, es muy importante para mí que mi trabajo honre la excelencia que representan los latinos de todo el mundo.
Dre Lopez
¿Qué consejos les darían ustedes a artistas aspirantes que quieren llegar a vivir de su labor?
Sammy: Yo diría: practica mucho tu oficio. Trata a llegar a un nivel de calidad en tu trabajo que te permita obtener más oportunidades de trabajo, porque tus habilidades te destacan por encima de la competencia. Eso, y saber que intentar ser un artista de tiempo completo no es fácil ni es siempre lucrativo. Hay que ser paciente y realista con el proceso, y con la idea de éxito que se tiene al comenzar esta carrera. Tienes que perfeccionar tus habilidades, pero también tienes que ser maleable y flexible en lo que respecta a cómo llegar a donde quieres estar. Aprovecha las oportunidades, toma riesgos y crea oportunidades para ti donde no las hay. El camino hacia el lugar que quieres alcanzar no será una línea recta. Tener expectativas realistas de lo que significa convertirse en un artista profesional te permitirá abordar la profesión, y a ti mismo, con más paciencia y gracia para lograr tus metas.
Dre: Yo diría que te centres en practicar, practicar y practicar. Perfecciona tu arte y enorgullécete del esfuerzo y la energía que dedicas a que tu trabajo sea el mejor posible. La calidad de tu trabajo es lo que te hará destacar y te proporcionará niveles de longevidad en tu campo.
Sé cortés, confiado pero humilde, profesional, amable y comprensivo. Ser una persona decente como profesional te hará destacar ante tus clientes y colaboradores. Nadie quiere trabajar con un imbécil pomposo Una mezcla de alta calidad como creador y como ser humano te mantendrá más arriba en la lista que muchos de tus competidores.
También haría hincapié en centrarte en el lugar donde quieres crear una carrera artística. Muchas zonas de todo el mundo están orientadas a las profesiones creativas y otras no valoran en absoluto a los creativos y los muchos beneficios que aportan. Encuentra ciudades, pueblos y comunidades que valoren tu trabajo y te compensen proporcionalmente por tu labor y tus esfuerzos. Si no puedes encontrarte en una de esas zonas, utiliza el Internet a tu favor en la medida de lo posible. Por mucho que este campo sea pasión y amor, hay que pagar las facturas.
Conoce más y sigue a los artistas en sus redes sociales y página web:
Nadie sabe de qué murió mi papá, o si realmente murió cuando dicen que lo hizo; lo único que recuerdo es que por ahí, de mil novecientos treinta y dos, un día se fue a Pachuca a vender guitarras y nunca regresó.
Francisca, o mejor conocida como ´Quica´, mi mamá, decía que él era uno de los pocos que hacían guitarras en el pueblo, y de esos pocos, él era el mejor: Don Jerónimo Amezcua.
Al menos ese fue su nombre en vida, porque su seudónimo para morir fue «Juan García». Resulta que cuando se fue a Pachuca, alquiló un cuarto en la casa de una señora. Ahí, me imagino, que embriagado con el aguardiente le dio por ser otro; o el que siempre había querido ser y luego, pues le dio mejor por morirse, porque él no estaba enfermo de nada, solo de tanta «tomadera» es que se ponía malito.
Cuentan que la señora que le alquiló la habitación lo llevó al hospital y mandó un telegrama aquí para que alguien fuera a verlo; pero los telegramas tardaban tanto en llegar y no había nadie más que Refugio, el hijo que tuvo antes de casarse con Quica, para ir a verlo. Cuando llegó al hospital, ya no había nadie con las características de mi papá. «Llegó un señor que se llamaba Juan García», dijeron las enfermeras y los doctores, pero como ya habían pasado muchos días desde su muerte, no pudieron conservarlo más tiempo, y lo único que le entregaron a Refugio fueron las guitarras y el huacal que llevaba como equipaje.
Quica decía que no era cierto que se había muerto, que lo único cierto es que le había dejado la carga de seis hijos: a Fidel, el más pequeño, sin conocerlo; a Coty, Paula y María con muchos trapos que coser para ayudar a Quica a mantenernos; y a Gerónimo, el más afortunado, porque le dejó la herencia de saber cómo hacer guitarras. Y a mí, a mí me dejó comiendo percances y haciendo el quehacer en casas ajenas.
Sí, yo también tuve que dejar la escuela para ponerme a trabajar, y eso que era lista, una vez gane un concurso al escribir una carta; pero me salí en tercero de primaria y desde los siete años ya estaba criando niños ajenos. Trabajé como sirvienta en la casa de mi padrino Ignacio Juárez durante mucho tiempo. Yo cuidaba a sus hijos, uno de los cuales ahora es doctor y el otro ingeniero.
La esposa de mi padrino me decía que no hiciera nada más que cuidar a los niños, pero cuando ella salía a hacer mandados, yo aprovechaba para limpiar la casa. Una vez, después de terminar de trabajar, me invitaron a quedarme a cenar. Mi madrina había hecho un comal lleno de tortillas y percances de res. Mi padrino me preguntó: «¿Qué te gusta, hija? Toma lo que quieras de carne». Yo pedí el ´bofe´, y él me dijo que tomara otra cosa porque el ´bofe´ era para los perros. Esa fue la primera vez, aunque desafortunadamente no la última, que comí percances, o lo que vendrían siendo las tripas de res que, con tortillas y sal, ya no sabían tan mal.
Mis padrinos vivían justo al lado de nuestra casa, a una cuadra de distancia, por eso mi mamá me dejaba ir a trabajar con ellos. Estuve allí trabajando hasta que tuve unos nueve años. Me gustaba, porque a veces nos llevaban al pueblo vecino a pasear y nos compraban cosas. Lo único malo era que mi madrina no era buena para cocinar.
La primera vez que nos llevaron al pueblo, mi mamá estaba muy emocionada. Me puso las mejores «naguas» con pliegues que teníamos. Estaban bonitas, de colores brillantes, pero gruesas y pesadas. Debajo llevaba un calzón de manta, sobre el calzón un fondo para que el rollo se viera bien y encima un delantal de terciopelo y encaje, como los que usaba en ocasiones especiales. Me sentía como la ´Guananchita´ que está en el templo del rancho. Sí, me veía bonita, sobre todo porque también me habían hecho trenzas con moños de colores y tenía el cabello largo. Pero ya no podía ni moverme. En un momento, me escondí detrás de la puerta y, jalándome el hilo del calzón, me lo quité. Lo dejé tirado en la entrada y salí corriendo hacia la casa de mi padrino, pero no me di cuenta de que mi hermano Guillermo me había visto y me estaba persiguiendo con los calzones en la mano, gritándome «¡Clementina, vas a ver con mi mamá que te quitaste los calzones!». Seguí corriendo y no pudo alcanzarme.
Esa noche me quedé a dormir con los padrinos. Tenían una hija de mi edad llamada Salud, y a veces jugábamos juntas cuando yo no estaba cuidando a sus hermanos o haciendo el quehacer. Esa noche todos nos dormimos temprano porque teníamos que salir al pueblo temprano al día siguiente, para llegar a tiempo a la función de las cuatro de la tarde en el cine. Así era entonces. Íbamos en burro: yo y Salud en uno, mi madrina con el ahora doctor en otro, y mi padrino con el ahora ingeniero en el tercero. En el pueblo nos quedábamos en un mesón, un gran patio con techos de adobe, donde la gente dejaba sus burros y caballos para pasar la noche antes de regresar al rancho al día siguiente. Mi padrino nos llevó a la plaza del pueblo y al cine Odeón. Recuerdo que las películas eran mudas y en blanco y negro. Esa fue la primera vez que fui al cine.
El camino de regreso al rancho era bonito, con muchos árboles, campos de maíz, vacas, becerros y borregos. Nos deteníamos entre las laderas para hacer del baño o descansar un rato del burro. Mi madrina alimentaba a los niños. Estaba cansada y hambrienta, como todos.
Para mi mala suerte, me invitaron a quedarme a cenar cuando llegamos a su casa. Mi madrina hizo caldo de res (su especialidad).
«¡Mira cuánta carne me dieron!», pensé. Con esfuerzo me comí el caldo, pero la carne apenas la masticaba y la guardaba debajo del delantal de encaje blanco y terciopelo morado. «Al rato salgo y la tiro al patio», pensé. Pero justo antes de que casi todos se levantaran de la mesa, fingí que iba al baño en el patio. Lancé la carne, pero no me di cuenta de que mi padrino también estaba allí. La carne le cayó encima. Por pura vergüenza, regresé rapido al comedor y me quedé sentada en la mesa terminando la poca carne que quedaba.
Cuando mi padrino llegó y me preguntó: «¿Hija, no te gustó la carne?», respondí: «Ay no tio, es que, no me gustan los percances».
Estas historias son parte de mi legado familiar, aquellas con las que crecí y que guardo con cariño en mi corazón. Las escribo para honrar la memoria de mi querida abuela, doña Clementina Amezcua Reyes, y para preservar su legado de amor, fortaleza y alegría. Son un tributo a su cocina exquisita, su sabiduría y su templanza. Las escribo para recordar los entrañables días sentados en su cocina, y después, los martes telefónicos en los que conversábamos durante horas, yo desde los Estados Unidos y ella desde nuestra casa en el «0009» nuestro teléfono local. Esas conversaciones eran mi refugio, una fuente de paz y conexión con mis raíces.
Las comparto con ustedes en honor a ella, porque doña Clementina fue más que una abuela, fue un faro de luz en nuestras vidas.
*Algunos nombres en esta historia fueron cambiados, bien por falta de memoria o por falta de permiso. Así mismo, sus palabras son una paráfrasis de mi memoria.
En esta edición de Por Amor al Arte viajaremos por América Latina y conoceremos un poco más de como la influencia Afro-Latina deja una huella en Estados Unidos recordándonos las profundas raíces históricas que nos unen como hermanos en muchos aspectos desde la época colonial hasta ahora y su importancia en la actualidad.
Desde los primeros días de la trata transatlántica de esclavos, millones de africanos fueron trasladados a las Américas, incluyendo a lo que hoy es Estados Unidos y las naciones latinoamericanas.
A lo largo de los siglos, la cultura Afro-Latina ha influido en diversos aspectos de la sociedad estadounidense, desde la música y la danza hasta la gastronomía y la religión. La diáspora africana en Estados Unidos incluye a una gran cantidad de personas de ascendencia africana y Afro-Latina, cuyas contribuciones han enriquecido la identidad cultural del continente de formas innumerables.
Celebrar la Afro-Latinidad en Estados Unidos es de suma importancia debido a la riqueza y diversidad que aporta al mosaico cultural del país. Si bien los afroamericanos han desempeñado un papel fundamental en la lucha por los derechos civiles y han contribuido significativamente a la cultura estadounidense, es crucial reconocer que la experiencia Afro-Latina presenta matices y complejidades distintas.
Los Afro-Latinos enfrentan desafíos similares y únicos, como la lucha contra el racismo y la discriminación tanto dentro como fuera de sus comunidades, así como la preservación de su identidad cultural en un contexto que a menudo tiende a simplificar las nociones de raza y etnicidad.
Celebrar y honrar la afro-latinidad en Estados Unidos es un acto de reconocimiento y empoderamiento, que promueve la inclusión y la valoración de todas las identidades dentro de la comunidad afrodescendiente, enriqueciendo así la narrativa cultural del país. Todo esto dentro del Black History Month para sumar los aportes de la comunidad Afro-Latina al país y las comunidades afrodescendientes.
Por eso que La Casa de la Cultura, una organización sin fines de lucro en Charlotte, NC, durante un emocionante período de cuatro días, se sumergió en una celebración vibrante de la rica herencia afro-latina, explorando historia, tradición, comida, música y baile.
Este evento trascendental se convirtió en un festín para los sentidos y un recordatorio apasionante de las conexiones que comparten las diversas comunidades afrodescendientes en América Latina y aquí les traemos un resumen de estos 4 días.
Día 1
El evento comenzó con un impactante panel de representantes de diferentes países, ofreciendo una inmersión profunda en la historia y tradiciones que se han transmitido a lo largo de generaciones. Descubrimos las asombrosas similitudes que nuestros ancestros africanos nos legaron, creando un tejido cultural que une a diversas naciones.
Día 2
El segundo día fue una explosión de alegría en el Mint Museum, donde representantes de Uruguay, Venezuela y la nación Garífuna llevaron al público a un viaje fascinante a través de la música y la danza como parte del mestizaje y el sincretismo religioso del cual está impregnada la cultura pluricultural.
La Casa de la Cultura y el Mint Museum unieron fuerzas para crear un vibrante encuentro cultural, lleno de contagiosos ritmos como el candombe uruguayo de Candombe Forever Miami y las danzas punta, símbolo de fertilidad para esta cultura, así como el ancestral baile de guerra Jankunu presentado por Bodoma Garífuna, que hizo bailar a todos los presentes. El clímax de la «Cultural Afro-Latinx Celebration» llegó con la poderosa actuación de la agrupación venezolana Tambores Bombayá, que comenzó con una representación simbólica de liberación, seguida de una ejecución magistral del elegante baile de tambor redondo de Curiepe, celebrando la fiesta religiosa de San Juan Bautista.
Cada presentación fue una ventana a la diversidad de expresiones artísticas que florecen en las comunidades afro-latinoamericanas, dejando una huella perdurable en los corazones de los asistentes.
Día 3
El sábado se convirtió en un vibrante festival de talleres interactivos, sumergiendo a los participantes en las profundidades de las raíces culturales afrodescendientes. Desde el candombe uruguayo hasta la Bomba de Puerto Rico, pasando por el Tambor Redondo o Culo e’ Puya de Venezuela, la energía y la vivacidad de cada género llenaron el ambiente con una mezcla única de ritmos y tradiciones. La presentación de Bodoma desencadenó una sinfonía de tambores de diferentes regiones de Latinoamérica, fusionando ritmos al unísono y transportando a todos en un viaje musical sin igual. Los talleres culminaron con una emocionante rueda de capoeira dirigida por nuestro amigo Juan Pablo Blanco del NC Brazilian Project, quien compartió con pasión el arte de esta lucha y baile, revelando el simbolismo profundo detrás de cada movimiento, así como la riqueza de la música e instrumentos utilizados.
La jornada del sábado culminó con el vibrante «Guateke», una celebración que reunió a representantes culturales de Colombia, Perú, Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Uruguay, Venezuela, Honduras (Garífuna Nation) y Rumbao Latin Dance. Los promotores culturales ofrecieron un espectáculo fascinante, revelando una diversidad de música y baile única que reflejaba las riquezas culturales de las diversas regiones afrodescendientes de Latinoamérica. Desde la cadencia de los tambores hasta los ritmos que llenaron el Museo de Historia de Charlotte, la afrolatinidad se manifestó en su plenitud, celebrando la vibrante herencia afro de varios lugares de Latinoamérica.
Día 4
El domingo marcó el cierre de la celebración con cautivadores talleres de percusión a cargo de Tambores Bombayá y presentaciones de danza por parte de Moving Spirit de Brasil y EE. UU. Estas actividades permitieron a los participantes sumergirse aún más en las expresiones artísticas que laten en el corazón de la cultura afro-latina. Para concluir con un broche de oro, contamos con la colaboración de @cinecasual, quien nos brindó un documental titulado «Daughter of the Sea» (Hija de las Aguas), agregando una dimensión emocionante y reflexiva a esta experiencia cultural.
Después de cuatro días de celebración, La Casa de la Cultura, ya emocionada, anunció que los preparativos para el próximo año han comenzado, prometiendo otra experiencia inolvidable.
Desde el inicio histórico hasta el vibrante Guateke multicultural y los talleres inspiradores, estos cuatro días nos dejaron con un hambre de conocimiento y un deseo ardiente de explorar más a fondo las raíces afro en cada rincón del continente. El cierre, con el apasionante cortometraje de Cine Casual, encapsuló la esencia de la celebración, dejándonos ansiosos por la próxima entrega de este fascinante evento.
Manténganse atentos a las redes sociales de @lacasade_lacultura para seguir descubriendo las maravillas afro-latinas en el próximo capítulo de esta extraordinaria celebración.
En el vibrante universo del arte y la exploración espacial, Jamila Gilbert emerge como una fuerza creativa singular, lleva en su sangre los vibrantes colores y sonidos de su herencia purépecha. Como hija de inmigrantes, Jamila ha navegado la dualidad entre México y Estados Unidos, una experiencia que ha moldeado profundamente su identidad y su enfoque artístico.
En esta entrevista, exploraremos su extraordinario viaje desde las raíces de su identidad hasta las estrellas del firmamento. Descubriremos cómo su arte y su experiencia de ser una de las primeras cien mujeres en viajar al espacio se entrelazan en un fascinante tapiz de creatividad y exploración.
Jamila dada tu experiencia como hija de inmigrante, ¿cómo vives la dualidad de tu identidad cultural?
Es probable que simplemente el tener dos padres imprima una dualidad de carácter, interés y profundidad emocional. Los niños se asimilan hacia un lado u otro, y los matrimonios son en sí mismos asimilaciones en cierto sentido. Dicho esto, probar dos sabores simultáneos es mucho más pronunciado para hijos de padres que hablan dos lenguas maternas diferentes y que son de dos países diferentes, pero aún más cuando uno de esos países sea una cultura tan rica como la mexicana.
Esa dualidad entre México y los Estados Unidos se veía en todo: la vitalidad versus la organización, la fluidez versus la estructura, la familia versus el individualismo; la lista continúa.
Y esta exposición a dos mundos completamente opuestos (y que actualmente solo existen a 25 horas en carro, uno del otro), me proporcionó la sensación muy clara de que más allá de estos dos mundos distintos, probablemente había cientos más. Desde el punto de vista de la creatividad, imaginación, empatía, y pensamiento crítico infantil, esta lección fue un regalo, ya que me ayudó a definir una perspectiva global y apreciar las posibilidades ilimitadas.
¿Cómo crees que esa dualidad de tu identidad cultural ha influido en tu arte y en tu enfoque creativo?
Mis piezas anteriores no eran ajenas al surrealismo, el simbolismo, el antropomorfismo y un pequeño romance con lo oculto, lo cual es común en el arte mexicano. Por cierto, mi exposición a bellas artes mexicanas apoyó esto, obras de Posada / Rivera / Kahlo. Pero quizás lo más importante para los motivos a los que vuelvo en la ilustración o en la pintura es el aprecio de las obras fuera de las bellas artes. Establecí igual o mayor valor al trabajo artesanal hecho a mano. El trabajo artesanal es en sí mismo multilingüe: sabe hablar la expresión, la historia y el comercio.
Piezas de Santa Clara del Cobre, Uruapan, Capacuaro y las guitarras impresionantes de Paracho, Michoacán, el pueblo natal de mi familia, son léxicos de culturas vividas y culturas sobrevividas. Hay una magia que ocurre con las manos de la gente de pequeños pueblos en México y una profunda herencia llevada en el toque humano.
Esto, junto con el acceso a escenarios increíbles, pintó para mí una imagen de mi herencia. Desde maravillas arqueológicas precolombinas, como las de Tingambato, hasta las maravillas terrenales de volcanes que devoraron iglesias colonizadoras enteras, reclamando territorio de manera salvaje y poética, como en Parangaricutirimícuaro. Lugares con conexión a la tierra, y a mi identidad.
«Wires», Acrylic. 2010«La Nahuala», Oil
¿Podrías compartir un poco sobre tu trayectoria como artista y cómo descubriste tu pasión por la acuarela y la pintura al óleo?
No recuerdo algún momento en el que yo no dibujaba o pintaba o no intentaba traducir en papel lo que veía o sentía. Mi conexión con la creación siempre ha surgido del deseo de ser comprendida, de comunicarme, de relajarme, o de despertar algún tipo de curiosidad a través del tema.
Más formalmente en la universidad, estudié dibujo, pintura y fotografía en una escuela de artes liberales en Toscana, Italia. Obtuve una licenciatura en Conservación de Museos en la Universidad Estatal de Nuevo México e hice un puesto de interno en el Smithsonian Museo Nacional del Indio Americano en Washington, DC. Esta fue una gran experiencia para mí.
¿Cómo crees que tu formación en conservación de museos, lengua y literatura alemana, lingüística, arte de estudio y antropología han influido en tu estilo artístico y enfoque narrativo?
De manera similar a como una exposición a dos culturas me expuso a los variados colores de la vida, mis estudios en conservación de museos, lengua y literatura alemana, lingüística, arte de estudio y antropología me pintaron tonos más profundos del mundo.
Estudiar lenguajes extranjeros, antropología y conservación de museos (que conecta a los conservadores de manera personal con objetos, obras de arte y materiales etnográficos) me ayudó a formar la creencia fundamental de que todas las personas, independientemente de su lengua materna o sus países, profundamente quieren vivir una vida realizada y quieren marcar su existencia a través de los objetos que crean.
Aprender a través de esos estudios que hay más cosas que nos conectan que las que nos dividen es algo que llevo conmigo y es cómo elijo ver el mundo.
«To One in Paradise», Oil.
Tu afirmación sobre la verdadera ‘alquimia del arte sucediendo cuando los seres humanos se conectan desde la nada’ es bastante profunda. ¿Podrías explicar qué significa esta conexión para ti y cómo te esfuerzas por lograrla en tu trabajo?
El arte es una forma muy bella de traducir escenas, emoción, inspiración. En la misma forma que la comida puede ser amor más que alimento, el arte tiene el poder de imbuir las ideas de una persona a otra.
Creo que el arte es verdadera alquimia. Un artista – ya sea poeta, pintor, escultor o intérprete— puede transportar a una persona a un recuerdo o a un lugar nunca visto, puede transferir emociones, traducir el lenguaje sin hablar y despertar pasión, rabia o revolución en los demás.
Seguirá habiendo formas de arte en nuestra era digital que hagan lo mismo (algunas a manos de humanos y otras no), pero espero que la gente siga creando más que nunca.
Una de las formas en que he intentado hacer esto es congelando momentos en el tiempo en las escenas que pinto. Para mí, la próxima frontera será traducir una experiencia que menos de 700 personas en la historia de la humanidad han tenido: la de volar al espacio.
Trabajar en una línea espacial debe ser una experiencia única y emocionante. ¿Cómo se conecta tu trabajo en esta industria con tus esfuerzos artísticos, si es que lo hace?
Recientemente, compré una de las pinturas más negras del planeta para trabajar en una serie sobre la experiencia de mi vuelo espacial. Es toda una tarea pintar algo que es casi indescriptible, pero me gustaría compartir visualmente cómo fue atravesar la atmósfera a una velocidad increíble, estar presionada firmemente contra mi asiento, y escuchar el rugido del motor de un cohete.
Hay una belleza indescriptible e inherente a nuestro planeta de origen, que claramente brilla con vida misma, en contraste con la hostil profundidad del espacio. Aunque ningún material terrenal pueda representar con justicia el brillo de nuestro planeta, y voy a intentar comunicarlo con mi arte.
¿Tienes algún ritual o rutina que te ayude a entrar en la mentalidad adecuada para crear arte?
Con música, mi estudio, y empiezo con bosquejos que dan forma a mis ideas.
Desde sus comienzos como ilustradora en Venezuela en 2014 hasta convertirse en artista de tiempo completo en 2021, Arianna Leon Uberti ha experimentado un viaje lleno de desafíos y descubrimientos.
En VozEs, exploramos su trayectoria creativa, sus inspiraciones detrás, sus desafíos y éxitos, así como su visión para el futuro. Con una pasión inquebrantable por el arte, Arianna comparte sus reflexiones sobre la evolución del arte digital, la importancia de la autoexpresión y el apoyo comunitario.
Desde sus experiencias personales hasta sus consejos para artistas aspirantes, esta entrevista ofrece una visión íntima de una artista que sigue brillando con creatividad y autenticidad en cada paso de su viaje artístico.
¿Puedes contarnos sobre tu trayectoria desde que comenzaste como ilustrador en Venezuela en 2014 hasta convertirte en un artista de tiempo completo en 2021? ¿Qué te inspiró a hacer esa transición?
Mi trayectoria fue bastante lenta. Tuve que hacer muchas cosas en el proceso de convertirme en artista de tiempo completo. Desde que salí de Venezuela, trabajé de mesera en diferentes tiendas, como House Keeping y como agente de servicio al cliente en un hotel.
No fue fácil porque, como todo migrante, siempre existe bastante miedo al rechazo. Sin embargo, era algo que tenía en mente desde que comencé a hacer mis ilustraciones. Sabía que quería dedicarme a eso a tiempo completo, fuera como fuera.
A pesar de las dificultades, todos esos trabajos y experiencias me enseñaron mucho y ahora aplico ese conocimiento en mi trabajo diario. La inspiración detrás de esta transición fue simplemente el sueño de poder lograr algo por mí misma y el sueño de convertirme en lo que fui creada para hacer, que es Arte. Mi Arte tiene un propósito muy especial para mí: más que crecer monetariamente, quiero hacer que las personas sonrían.
Mencionas en tus redes que tu medio preferido es el arte digital. ¿Qué te atrae del arte digital y cómo ha influido la tecnología en tu proceso creativo?
Se convirtió en mi medio preferido debido a la rapidez y una de las cosas que me encanta del arte digital es que puede convertirse en arte asequible para las personas. Yo realmente comencé utilizando un block Caribe y unos marcadores Sharpie. Y eso lo utilicé hasta alrededor del 2017 donde por probar compré un iPad y bueno me quedé enganchada. Me ha permitido que mi proceso de creación sea un poco más rápido, imprimir mis productos en muchísimas más cosas y crear un universo un poco más grande. Entonces, creo que la tecnología, siendo utilizada de la manera correcta, puede crear grandes cosas.
¿Cómo equilibras el trabajo con arte digital y la experimentación con materiales tradicionales como acrílicos? ¿Encuentras algún desafío o ventaja específica en cada medio?
Cada uno tiene sus desafíos. Todos son completamente distintos a pesar de que el artista marca su propio estilo utilizando cada uno de ellos, pero creo que cada uno depende del reto que te quieras poner, como tiempo, calidad del producto, valor del producto. Obviamente, algo impreso no va a tener el mismo valor que algo pintado a mano. Entonces, creo que se puede generar un balance entre esas cosas. Vamos a decir que hoy en día me considero un artista multidisciplinario porque utilizo muchísimas cosas diferentes, combino materiales.
También hago murales con pintura. Combino las cosas con el arte digital porque hago todo el diseño en mi iPad y luego lo pinto en una pared. Entonces, se pueden combinar todas las cosas. Creo que el arte no tiene límite, en el arte no hay arte bueno o arte malo, el arte es simplemente crear, no importa de la manera que lo hagas.
Vivir en diferentes lugares, como Venezuela y ahora Gainesville, Florida, debe haber tenido un impacto en tu arte. ¿Puedes compartir cómo tu entorno y tus experiencias han influido en tu trabajo creativo?
Si, muchísimo. Bueno, cuando comencé en Venezuela, todo lo que hacía era en blanco y negro. A medida que fue pasando el tiempo, fui agregando colores. Pero, voy a decir que, no sé si es porque estoy en mi momento donde siento que lo estoy logrando, pero ahora todo es súper chillón, súper neón, súper una combinación explosiva de colores. Y eso me ha ayudado muchísimo a captar la atención de la gente.
Considero que todo, toda creación depende del lugar donde estés y también de cómo te sientas. Entonces, varía muchísimo.
«Ahora no veo mis cosas sin color»
Sin embargo, estuve haciendo un personaje que llevaba bastante blanco y negro con un toquecito de color y ha sido bastante popular. Entonces, depende de cómo te sientas y de dónde estés. Lo maravilloso del arte es que se puede transformar, crecer y evolucionar contigo y a través del tiempo.
¿Existen temas o sujetos recurrentes que sueles explorar en tus ilustraciones? ¿Qué motiva tu elección de temas?
Mis ilustraciones están, en su mayoría, inspiradas por la naturaleza. La naturaleza es algo fundamental para mí, es como uno de los principales motores de mi vida, es uno de los principales motores de mi inspiración. Vas a ver siempre animales, plantas, frutas, vegetales. Pero algo muy curioso, justo estoy viendo mis cosas ahora porque verlas desde otro punto de vista cambia un poquito las cosas y eso también ha cambiado a través del tiempo. Yo le coloco esos ojos a todos, siempre hay ojitos escondidos por todas partes.
Al principio, cuando comencé, les puse muchísimos más y eso también ha cambiado, ha transformado con el tiempo. Siempre va a ser una marca de mi arte, pero como te digo, cambia muchísimo. A veces pongo un montón, a veces no pongo. También me gusta agregar platillos voladores, pero la naturaleza es como la base principal.
Muchos artistas tienen rituales o rutinas únicas que les ayudan a entrar en un estado mental creativo. ¿Puedes describir tu proceso creativo y cualquier ritual que sigas antes de comenzar una nueva obra?
Creo que soy de los pocos artistas que no tengo una rutina, es mentira que te voy a decir que tengo que encender una vela y tal para poder empezar a crear. Estoy acostada en el sofá, me vino una idea o ando caminando por ahí y me vino una idea, entonces la anoto y la creo.
No tengo como una rutina específica, soy muy nocturna, muy, muy nocturna. He tratado de cambiar un poquito, pero la inspiración me llega en la noche, eso es desde que estoy chiquita.
Asumo que son costumbres porque mi familia siempre ha sido también muy nocturna. Entonces, la noche es uno de mis rituales, pero no sigo muchas reglas. Soy como mis dibujos, un desastre de cosas de aquí para allá. Y tuve que aprender también que eso estaba bien, porque es mi estilo de vida. No tener un ritual forma parte de mi proceso creativo.
¿Podrías guiarnos a través de un proyecto o una obra reciente de la que te sientas especialmente orgulloso? ¿Cuál fue la inspiración detrás de ella y cómo lograste dar vida a tu visión?
Guau, tengo muchas porque siempre estoy trabajando en 100,000 cosas a la vez. Estoy en el proceso creativo de un mural para un centro de conservación aquí en Gainesville, ese fue súper bonito. No lo he terminado todavía, pero crear el diseño fue súper especial porque es algo con lo que me siento 100% identificada. También hice una exposición el año pasado en un hotel aquí en Gainesville, Hyatt Place, y la inspiración para ello realmente fue Venezuela.
Tenía tiempo que no hacía nada inspirado en Venezuela, pero es un homenaje a la naturaleza, una colección que se llama «Selva». Se tiene como que todos los animales nativos de Venezuela, jaguares, monos, ranas, osos hormigueros. Entonces, vamos a decir que esa es una de las últimas que he hecho que me está haciendo muy feliz. Están exhibidas en el hotel de manera permanente, las piezas están a la venta, pero la verdad no les he hecho promoción para vender ninguna porque se ven súper bonitas allí. Y dice «Venezuela» así bien grandote.
El crecimiento artístico es esencial para cualquier artista. ¿Cómo te desafías a ti misma para evolucionar y mejorar como ilustradora? ¿Tienes metas o aspiraciones para tu trabajo futuro?
Entendí con el tiempo que yo misma soy mi mayor competencia y nunca estoy conforme con lo que hago. Siempre busco la manera de mejorarlo, de hacerlo mejor con las herramientas que tengo disponibles. No me vuelvo loca en ese sentido.
Tengo muchísimos proyectos, muchísimas metas a largo y corto plazo. Acabo de cumplir uno, que es que voy a colocar una máquina como esta máquina de chucherías pero de Arte. Entonces, siento que poco a poco las voy cumpliendo. Pero entendí que no puedo apurar las cosas, tengo que trabajar sobre ellas, pero de apuro sólo queda cansancio y las cosas siempre se dan cuando se tienen que dar.
El arte puede ser una forma poderosa de autoexpresión. ¿Existen experiencias personales o emociones que intentas transmitir a menudo a través de tu arte?
El Arte siempre va a ser una emoción personal porque el arte es colocarte tus sentimientos en un papel o en un lienzo o en lo que sea que estés creando. Siempre va a estar completamente ligado a eso, pero siempre trato de transformar esas emociones en felicidad, alegría o esperanza. Entonces, por lo menos si me estoy sintiendo triste porque hay un suceso triste que está sucediendo, trato de buscarle la vuelta y no verle el lado positivo porque hay cosas que no tienen lado positivo, pero sí trato de buscar confort en lo que hago y que las personas encuentren confort en mi arte. Entonces, por ejemplo, si hay un tema de guerra, mi arte no se va a enfocar en los sucesos tristes, sino en inspirar esperanza y confort.
¿Cómo te relacionas con tu audiencia y la comunidad artística, tanto en línea como fuera de línea? ¿Participas en plataformas o eventos para conectarte con otros artistas y amantes del arte?
Siempre estoy conectando con otros artistas. Me gusta mucho el apoyo entre todos los que hacemos arte o creamos cualquier manualidad. Por lo menos aquí donde vivo en Gainesville, no siento absoluta competencia entre nosotros, más bien tratamos de darnos a conocer, de apoyarnos, de aprender uno del otro. Y yo creo que hay espacio para todos y eso es algo muy bonito que he aprendido aquí. Yo siempre me he sentido de esa forma, pero nunca había encontrado el lugar donde otras personas se sintieran así, entonces eso me llena mucho.
El mundo del arte está en constante evolución, especialmente con el auge de los medios digitales. ¿Cuáles son tus pensamientos sobre el futuro del arte y cómo te ves adaptándote a estos cambios?
El arte creado por humanos siempre va a existir porque es una manera de conectar directamente. No creo que haya tecnología que pueda opacar el contacto y la creación humana. Nosotros estamos creados para crear y la tecnología no tiene ese espíritu que los humanos tenemos. Entonces, no tengo miedo con lo que pueda pasar con la tecnología, simplemente hay que adaptarse y acoplarse y pisar el botón de «off»!
¿Puedes compartir algún consejo o palabras de sabiduría para artistas aspirantes que estén considerando seguir una carrera en el arte, especialmente aquellos que pueden estar al borde de dar el salto para convertirse en artistas de tiempo completo, como lo hiciste en 2021?
El camino no va a ser fácil, pero si lo deseas con todo tu corazón, vas a poder llegar a la meta. Si fuiste creado para crear, vas a brillar, no hay otra opción. Por favor, no desperdicies tu talento, el mundo lo necesita.
